Cómo Crear Perspectiva Atmosférica o Perspectiva Aérea

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perspectiva aerea o perspectiva atmosferica

A falta de la perspectiva lineal, usamos la perspectiva aérea o perspectiva atmosférica para crear una sensación de profundidad en nuestras obras.

El nombre de perspectiva aérea puede referirse también a un tipo de perspectiva lineal en el que el punto de vista se encuentra muy por encima del plano de tierra y los elementos de la composición son vistos como si estuviésemos volando.

Para simular este tipo de perspectiva, es útil que nuestro dibuja contenga objetos bien definidos, como por ejemplo elementos arquitectónicos.  En este artículo me refiero a otro tipo de perspectiva, que también se conoce como perspectiva atmosférica.

A menudo es usada en la pintura de paisajes, pero se puede aplicar en todo tipo de pinturas para representar cualquier tipo de motivo, desde bodegones hasta retratos.

En definitiva, la perspectiva aérea o perspectiva atmosférica es el método con el cual se simula la sensación de profundidad en una pintura y dibujo.

La atmósfera está formada por partículas. Cuanto más alejamos la mirada, más partículas tienen que atravesar los rayos de luz que llegan hasta nuestros ojos. Esto ocasiona que los objetos que están más alejados de nosotros parezcan fundirse con el ambiente y tener menos contraste que los que tenemos cerca.

perspectiva atmosferica en el arte
Podemos ver cómo las montañas pierden saturación y se aclaran a medida que se alejan de la cámara

Utilizando un soporte plano para dibujar, como un papel o un lienzo, sólo tenemos dos ejes para trabajar, el X y el Z. Pero como artistas, tenemos que crear la ilusión de que existe el eje Z. La perspectiva atmosférica es una de las herramientas para conseguirlo.

Normalmente queremos reducir la saturación del color y usar colores fríos en los objetos que están más alejados del primer plano, pero dependerá de la escena que estemos pintando y del color del ambiente.

Si por ejemplo hablamos de un atardecer o amanecer, los colores serán más cálidos a medida que se alejen de nosotros, ya que se ven más afectados por la luminosidad del sol.

Pero en ambos casos, el valor del color aumenta a medida que se aleja de nostros, es decir, los objetos parecen ser más claros.

De igual manera, tenemos que reducir la intensidad de las lucessombras y fundirlas con el entorno a medida que nos alejamos.

En el mundo real, este efecto se intensifica o reduce, dependiendo de lo limpio que esté el aire de un entorno.  En un ambiente seco y con muchas partículas de polvo flotando en el aire, los objetos parecen menos coloridos a medida que se alejan de nosotros. Lo mismo ocurre con las sombras y las zonas de brillo.

Otro ejemplo perspectiva atmosférica en la realidad se puede ver  en los días de niebla.

perspectiva aerea
Podemos ver cómo la niebla crea atmósfera y da profundidad a esta imagen

A la hora de dibujar y pintar tenemos que intensificar este efecto. Aunque estemos pintando un bodegón en el que se supone que todo debería verse nítido, tenemos que crear un efecto de atmósfera para engañar más fácilmente al espectador y hacerle creer que eso es una imagen con profundidad.

Al dibujar y pintar no podemos limitarnos a copiar exactamente lo que vemos, si no que debemos utilizar trucos y exagerar ciertos efectos, para crear un efecto de realidad y engañar el ojo del espectador.

5 Herramientas para crear perspectiva 

Tenemos varios dispositivos para crear perspectiva aérea en nuestros dibujos, entre los que se encuentran:

Passage

A la hora de dibujar no queremos que todas nuestras líneas sean iguales en importancia y valor.

Cuando variamos el grosor y el valor de una línea, estamos cambiando el plano en el que se encuentra. De este modo, las líneas más finas y de valor más claro parecen alejarse de nosotros y se funden con el fondo.

Bloom o halos

El bloom es un efecto de la luz que aparece cuando ésta rebota en la superficie de los objetos. Se debe básicamente a que esa luz se refleja en las partículas de la atmósfera.

El bloom depende principalmente de lo reflectivo que sea un objeto. Si estamos pintando un objeto brillante como el metal, podemos añadir este efecto para realzar la imagen.

Además podemos usarlo para separar los objetos del fondo y del resto de objetos. Si añadimos un halo claro sobre un fondo con un valor más oscuro o viceversa. 

Rayos de luz

En ocasiones podemos ver este efecto cuando la luz entra por la ventana de una habitación en la que hay mucho polvo, o cuando la luz se cuela entre las hojas de los árboles de un bosque con niebla.

Es un efecto que añade un interés extra a tus imágenes.

Vignette

El vignette es un efecto que vemos constantemente y que se ha hecho aún más famoso gracias a los filtros de Instagram. Se trata de oscurecer o aclarar los bordes de la imagen y fundirlos gradualmente con el resto de la imagen. De este modo, la imagen no se corta de forma abrupta con los límites del formato.

Cuando utilizamos un vignette, estamos simulando profundidad, como si la pintura se encontrase lejos de nosotros. 

Por eso si nuestro objetivo es el realismo o conseguir una sensación de profundidad, es muy buena idea introducir un sutil vignette que disuelva los bordes de la obra e impida que se corten de forma abrupta con los límites del soporte. 

La profundidad de campo

Otro efecto que podemos añadir para crear la sensación de profundidad es la distancia de campo. Este efecto nación con la fotografía, debido a las limitaciones técnicas de las cámaras, pero hoy en día se usa extensivamente, tanto en fotografía como en cine. 

A la hora de dibujar o pintar, podemos usar este efecto a nuestro favor. Para empezar, dibujaremos solamente los detalles de los elementos importantes de nuestra imagen y difuminaremos el resto. Esto creará la sensación de que están enfocados.

Además de esto, al usar la profundidad de campo, se crea la sensación de que los objetos que están difuminados se encuentran más lejos de nosotros.

Cómo utilizar la perspectiva aérea o atmosférica en tus obras

La perspectiva atmosférica está muy ligada con las escalas de valores y depende totalmente del valor de una composición.  Así que si no has leído este post sobre las escalas de valor, te recomiendo que le eches un vistazo antes de nada para poder entender lo que viene a continuación.

Vamos a ver un ejercicio de ejemplo que te puede ayudar a entender en profundidad y a dominar esta técnica para crear profundidad en tus obras. 

El objetivo es conseguir una dibujo como el de la imagen. 
Te recomiendo que repitas este ejercicio hasta que te lo sepas de memoria y una vez que lo tengas dominado, serás capaz de crear atmósferas en tus obras.

Para este ejercicio utilizaremos una escala de grises de 9 tonos, entre los que se incluyen el blanco y el negro. 

Para empezar, vamos a dividir la escena en 4 planos de profundidad y del mismo modo, vamos a dividir la escala de grises en 4 secciones que asignaremos a cada uno de los planos.

  • Los objetos situados en primer plano recibirán los tonos comprendidos entre el blanco y el 6.
  • El segundo plano recibirá los tonos desde el 3 hasta el 7
  • En el tercer plano usaremos los tonos desde el 4 hasta el 8
  • El último plano, que corresponde al fondo, utilizará varios tonos de forma suave

Esto es sólo una referencia, así que no te obsesiones tratando de igualar los tonos del dibujo a los de la escala. Lo que sí tienes que tener muy en cuenta es que todos los tonos de la segunda esfera tienen que ser más oscuros que los de la primera y así sucesivamente.

Recuerda aplicar las herramientas que vimos anteriormente y los efectos lumínicos que vimos en este artículo sobre la luz y la sombra. En concreto, queremos utilizar halos claros y oscuros para separar las esferas entre sí y separarlas del fondo al mismo tiempo.

La zona de más importancia será la primera esfera y por ello es la zona de mayor contraste, además de ser la que tenemos más cerca. Tenemos que trabajar de forma jerárquica y primero tenemos que pintar y definir cuáles van a ser los valores de mayor luminosidad y los de menor luminosidad. Luego podremos seguir el resto de elementos.

Si no trabajamos de forma ordenada y jerárquica, no sabremos qué valores utilizar y nuestra obra será fruto del azar y no de nuestra voluntad. Por eso, para saber qué valores de la escala debemos utilizar en el segundo plano, debemos primero establecer los valores del primero y así sucesivamente.

De esta manera conseguiremos una obra ordenada, en la que todos los elementos se relacionan entre ellos y pertenecen a un conjunto común.

Tenemos que utilizar transiciones en los diferentes planos y no hacer los bordes de los elementos con excesivo contraste.

En este ejemplo hemos dividido el espacio en 4 zonas o planos diferentes. Esto nos será suficiente en la mayoría de casos, pero si queremos incorporar más planos en nuestra pintura o dibujo, podemos dividir la escala de grises en las secciones que necesitemos y asignar cada una de ellas a un plano distinto, del mismo modo que lo hemos hecho aquí.

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