Principios de la composición Visual o Artística

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Si tuviésemos que usar una única palabra para definir el concepto de composición, ésta sería organización. Esto es aplicable tanto a la pintura y el dibujo, como a otras disciplinas como la música. Componer es organizar elementos.

La composición puede ser entendida como un lenguaje. Como cualquier lenguaje, está formado por letras, que forman palabras, que a su vez forman frases, que a su vez forman textos.

Una peculiaridad de la composición artística, es que en este lenguaje no existen reglas gramaticales. Es decir, podemos combinar nuestras herramientas de la forma que nosotros queramos y no existe una regla que nos obligue a colocar un trazo de determinada manera al lado de otro.

Lo único que tenemos que hacer, es aprender los fundamentos o principios de la composición y entonces, dispondremos del conocimiento suficiente para crear imágenes ordenadas, en las que todos los elementos cumplen una función determinada.

En la actualidad, hemos olvidado la importancia del proceso de composición de una obra. Los ilustradores, pintores, dibujantes y artistas en general, componemos nuestras obras guiados únicamente por nuestro instinto y por ciertas reglas muy rudimentarias que nos han enseñado de manera muy básica.

En este artículo, pretendo enumerar y definir los principios de la composición artística, para que nunca más tengas que volver a dar palos de ciego a la hora de componer tus obras.

Este artículo tiene una parte complementaria y sin la cual, esta información estará incompleta. ¿Qué es la composición artística? Elementos de la composición.  Si todavía no lo has leído, te recomiendo que le eches un vistazo, antes o después de leer este post.

LOS PRINCIPIOS DE LA COMPOSICIÓN ARTÍSTICA

En diversos libros y otras fuentes, a menudo se habla de las bases del diseño y la composición. Parece ser que no hay un consenso general sobre cuales son las bases de la composición visual y cada autor sigue su propio criterio a la hora de clasificarlas.

A continuación voy a nombrar los principios de la composición y a apoyarlos con ejemplos de grandes obras de la historia. Como verás, muchas de las obras utilizan varios principios compositivos, pero siempre hay uno que sobresale por encima de los demás.

Normalmente, una buena obra, utiliza uno de estos principios y compone todos los elementos basándose en él. Puede añadir más principios de forma secundaria, pero siempre hay uno que destaca por encima de los demás.

Cuando compongas tu imagen, piensa en esto. Selecciona uno de estos principios y trabaja con él. A medida que avances y crezcas como artista, serás capaz de introducir más principios de manera intuitiva e inconsciente.

Como verás más adelante, muchos de los principios se relacionan y se influyen mutuamente.

Con las imágenes de ejemplo pasa lo mismo. Una misma obra puede ser usada para explicar varios de estos principios. Yo simplemente he optado por utilizar las que me parecían más convenientes, pero no hay una regla fija.

LA DIVISIÓN DEL ESPACIO

La forma en la que dividimos el espacio de nuestra imagen es un aspecto fundamental. Tenemos que crear formas interesantes que atrapen al espectador y zonas de mayor atención hacia las que dirigir su mirada.

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La masacre de los inocentes – Giotto

En la imagen superior, vemos como Giotto divide la imagen en secciones en las que coloca a sus personajes. Utiliza estos espacios para aislar ciertas acciones o momentos, permitiendo de este modo que el espectador se pare a mirar lo que ocurre en cada uno de ellos.

Estos artistas del Renacimiento utilizaban composiciones basadas en formas geométricas que les ayudaban a dividir la obra en secciones y a organizar los elementos. Esa geometría se deja entrever en el resultado final.

Básicamente, es una composición con forma de U en la que nos encontramos 6 rectángulos.

El personaje central, es el que carga con la acción más importante y que explica la acción que sucede en la imagen, por eso se encuentra aislado en el rectángulo del centro. 

Es una forma básica de organizar los elementos, pero muy efectiva. Nosotros podemos ir mirando y analizando cada uno de las secciones para entender la historia, de la misma forma que funciona un comic.

Al mismo tiempo, relaciona los distintos elementos mediante líneas invisibles que los interconectan. El brazo del niño nos dirige a la mano del rey. Del mismo modo, la línea que forman las cabezas de la muchedumbre, nos lleva al mismo punto. 

Estos artistas estaban preocupados por la función narrativa de su obra y su principal objetivo era contar una historia, de forma clara y efectiva. La composición es el medio para conseguir esa claridad en el mensaje.

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El entierro del Conde de Orgaz – El Greco

En esta obra de El Greco, vemos como el espacio se divide en distintas zonas geométricas (sobre todo circulares), que organizan los elementos y permiten que la imagen se entienda.

UNIDAD

Normalmente las composiciones que nos parecen atractivas, son las más simples. Cuando vemos una ilustración recargada de colores, formas y texturas, todas amontonadas sin ton ni son, nos produce una sensación de agobio.

Hay un buen número de ilustradores profesionales que usan un montón de colores y texturas diferentes en sus obras, y mantienen la unidad en su composición. Pero el problema de los principiantes, es el uso de diferentes estilos en una misma imagen, en la que por ejemplo, algunas zonas aparecen sombreadas con líneas y en otras, las sombras están difuminadas. Esto rompe la unidad de la composición.

Esto no significa que no podamos tener variedad de elementos, pero debemos mantener una paleta reducida para no convertir nuestra obra en un cajón de sastre, donde todo entra y está desorganizado.

Este concepto recibe el nombre de Gamut. Quizás hayas oído hablar del gamut de color de una imagen. Se refiere a la paleta de color y al número de colores que han sido utilizados.

No queremos usar todos los colores del espectro en una misma obra, porque sería un caos. Debemos seleccionar un color dominante y trabajar a partir de ahí, con un número limitado de colores. 

En composición sucede lo mismo. A la hora de componer, debemos utilizar un gamut de líneas y direcciones limitadas que organicen la obra.

En la pintura de Juan Gris de abajo, vemos como la composición tiene dos direcciones dominantes de líneas, que generan unidad en la obra. Aunque en esta imagen se ve muy claramente este punto (debido a que tiene un gamut muy reducido), es un concepto que se repite en todas las grandes obras de arte y todos los artistas profesionales conocen o deberían conocer.

composicion artistica - unidad
Al usar un reducido número de elementos compositivos, los cuadros cubistas tienen una gran sentido de unidad

ÉNFASIS

Es muy importante que nuestras imágenes tengan secciones de mayor importancia que otras; zonas que llamen la atención y otras en las que poder descansar la mirada.

Tenemos que evitar crear ilustraciones que parezcan estampados, en donde todos los elementos están al mismo nivel, a menos que eso sea nuestro objetivo.

Esto se puede conseguir de muchas formas distintas. Mediante la división del espacio, el uso del color, la luz, etc…

Dos factores claves para guiar la mirada del espectador hacia un punto concreto, son el contraste y el uso de líneas.

El principipio de énfasis deriva en la idea de la zona de mayor contraste, que es como el centro de una tela de araña, a partir de la cual irradian el resto de elementos.

Éste es el punto que más llama la atención de toda la composición y en el que queremos que se fije la mirada del espectador.

En la imagen de abajo, vemos claramente que la zona de mayor contraste son los pechos de la mujer y que Van Honthorst, se ayuda de los demás elementos para crear líneas que dirigen la mirada del espectador y enfatizan esa zona.

composicion artistica- enfasis
Los brazos y dedos de los personajes en sombra (entre otros elementos), señalan y te dirigen hacia la zona de mayor contraste

El ojo humano es atraído en primer lugar por las zonas luminosas. Por lo que el sujeto de tu composición, debería estar situado en la zona más luminosa.

Por el contrario, si tienes puntos de mayor luminosidad en otras zonas de tu composición, el ojo del espectador va a ser dirigido hacia ellas, apartándose del elemento principal.

En ocasiones, tendremos un área muy brillante que proyecta luz de forma natural. Por ejemplo, una ventana o un foco de luz. En estos casos, la luz que irradia, puede estar señalando el elemento principal.

Aunque el área de mayor contraste sería esa luz, y nuestros ojos se fijan en ella en primer lugar, pronto aceptan que es un elemento secundario y buscan el objeto principal que sería el iluminado por esa fuente de luz.

En este caso, nuestro cerebro acepta el hecho de que estos elementos son brillantes por naturaleza y entonces pasa a buscar el segundo elemento más brillante o foco de atención. Así, va moviéndose sucesiva y gradualmente, desde el punto más brillante, hasta el menos brillante.

EQUILIBRIO

Cuando alineamos los elementos de una imagen de forma simétrica o cuando le damos la misma importancia a todos ellos por igual, tenemos una composición balanceada, pero aburrida y predecible.

En ocasiones será interesante conseguir este resultado, en el caso de que queramos expresar alguna de estas ideas. Pero si queremos una composición dinámica, tenemos que aprender a dar más peso a ciertas partes de la imagen y equilibrarlas con el resto.

Al igual que pasa con las notas de una composición musical, en la que las blancas valen el doble que las negras y las negras el doble de las corcheas. Si todas las notas tuviesen el mismo peso, la composición sería un aburrimiento.

Para ejemplificar este concepto, puedes pensar en un balancín. Cuando un balancín tiene su punto de apoyo en el centro, se puede mantener en equilibrio, aunque es una imagen aburrida.

Si de repente introducimos dos niños del mismo peso en la imagen y se sientan en cada uno de los lados, el balancín se sigue manteniendo en equilibrio. Es una imagen más interesante.

Si quitamos uno de los niños, lo cambiamos por uno más pesado o movemos el centro de apoyo, el balancín pierde el equilibrio y se inclinará hacia uno de los lados. No queremos que esto suceda en nuestra imagen.

Para solucionar esta situación, tenemos que jugar con los pesos de los niños y el punto de apoyo. De este modo podemos conseguir que el balancín se equilibre independientemente de los elementos que usemos.

La composición artística funciona de la misma forma. Tenemos que jugar con el tamaño, el contraste y demás elementos compositivos para crear imágenes equilibradas.

La imagen del punto anterior es un buen ejemplo para ver este concepto. Vemos que la parte de la derecha tiene mucha información. Hay mucho contraste, muchos colores y muchos detalles. Para compensar el «peso» de esta parte, necesitamos que la parte izquierda sea mucho mayor, ya que tiene mucha menos información y por lo tanto, menos «peso».

Si la obra se dividiera por el centro y la parte de la mujer llegara a la mitad del cuadro, tendríamos una imagen desequilibrada.

Dirección

De la misma forma que al leer, las palabras guían nuestros ojos a través de la página; los artistas visuales debemos guiar el ojo del espectador mediante la composición de los elementos.

Vamos a ver dos ejemplos muy claros de composiciones que guían al espectador, hacia los puntos que el artista quiere.

El tributo de la moneda – Masaccio

Masaccio introduce varias secuencias en una sola imagen y de manera muy inteligente, nos guía a través de ellas.

Por un lado nos presenta a unos personajes realizando una acción y a medida que avanzamos en la pintura, continuamos la historia de una forma secuencial.

Si empezamos por la parte derecha de la imagen, podemos ver a dos personajes interactuando y debajo de ellos, se sitúa un elemento apuntando hacia sus manos, para indicarnos que ese punto es importante y que debemos mirar hacia él.

Luego, seguimos moviendo la vista hacia la izquierda y vemos a un grupo de personas organizadas dentro de una forma rectangular. Estas figuras señalan hacia la izquierda y nos invitan a seguir moviendo la mirada en esa dirección.  Para hacerlo más evidente, repite la misma diagonal en los brazos de varias figuras creando un ritmo.

Al final, llegamos hasta el último personaje que se encuentra a la izquierda del todo. Si nos fijamos, las montañas del plano medio forman una diagonal que también señala al mismo personaje.

Todo está pensado para contarnos una historia completa con varias secuencias y guiarnos a través de ellas.

Giuditta e Oloferne – Tintoretto

En las pinturas de Tintoretto, podemos ver una representación del espacio y de las figuras, mucho más realista y voluminosa; pero es en gran medida la composición, lo que hace que sus obras sean tan magníficas.

Tintoretto es un maestro en el arte de atrapar el ojo del espectador y guiarlo por toda la escena.

Como vemos en la imagen de arriba, somos introducidos en el cuadro a través de las diagonales que forman el cuerpo tumbado de la derecha y la sombra de abajo a la izquierda.

Una vez que estamos dentro de la imagen, nuestra mirada se centra en los personajes. Las figuras casi se tocan creando un óvalo cerrado que nos mantiene atrapados circulando por la imagen.

Continuidad

El principio de continuidad hace referencia a la relación que los elementos tienen entre ellos. No necesitamos (ni solemos querer) hacer demasiado evidente esta continuidad uniendo todos los elementos.

Queremos que la continuidad entre nuestras figuras sea sutil y las colocamos en relación con otras, para crear una especie de continuidad que mantiene atrapado al espectador.

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Friso griego

En la imagen de arriba, vemos que la parte superior de las figuras genera una línea ondulada, que crea una sensación de continuidad y fluidez.

Nuestros ojos recorren la imagen desde la izquierda a la derecha, siguiendo esta línea de la misma forma que si estuviéramos leyendo un libro. Podrían haber utilizado una línea continua y recta para organizar los elementos, pero la composición sería mucho más aburrida.

A pesar de que se aprecia variedad entre los personajes, vemos que el ritmo es bastante monótono y todas las figuras son compuestas de una forma muy ordenada. 

Todas las piernas forman diagonales en el mismo ángulo y se repiten siguiendo un ritmo muy controlado. Es casi, lo equivalente al ritmo de batería de una canción. 

Se aprecia la función narrativa del friso, más que su función estética. El propósito era contar una historia de la forma más efectiva. En este sentido, se puede decir que este friso fue uno de los primeros cómics de la historia.

Ritmo

El ritmo se crea mediante la repetición de elementos y tiene un gran efecto en otros principios como la continuidad o el movimiento.

Dependiendo de la separación que tengan los elementos de una imagen y su repetición, podemos hablar de ritmos rápidos y ritmos lentos, al igual que ocurre en música.

Si saturamos las escena con muchos elementos entre dos puntos determinados, podemos estar creando un ritmo rápido, como una canción acelerada. Por el contrario, si situamos nuestros elementos con grandes espacios entre ellos, estaremos creando un ritmo más pausado y liviano.

Bajorrelieve romano

Como podemos ver en este bajorrelieve, los romanos adoptaron los conocimientos de los griegos sobre composición. Aunque vemos una estructura similar a la imagen anterior, se distingue un ritmo diferente. 

Las figuras están apelotonadas con menos espacio entre ellas, lo que crea un ritmo más rápido y pesado. Podríamos decir que la imagen anterior está a ritmo de Rap, alrededor de 90 BPM y esta imagen se mueve a ritmo de Rock, sobre unos 120 BPM.

Transiciones

El principio de transición está muy relacionado con los principios de ritmo y movimiento.  

Para relacionar los elementos de nuestra obra, podemos usar transiciones que nos llevan de un punto a otro. Mediante la creación de diferentes transiciones, creamos diferentes experiencias visuales. 

Podemos hacer que esas transiciones sean regulares o irregulares, haciendo la composición más armónica o más caótica.

El hallazgo de Moisés – Antonio de Bellis

Como vemos en la imagen superior, empezamos con la figura totalmente erguida de la izquierda y nos vamos inclinando hasta llegar al punto principal, que es el bebé de la derecha.

Movimiento

Para que una imagen sea atractiva, sus elementos tienen que generar una sensación de movimiento, que nos mantenga entretenidos y circulando por el contenido de la misma.

Nuestras imágenes deben tener un movimiento principal, pero además, pueden tener muchos movimientos secundarios. El mejor ejemplo para entender el movimiento generado por los elementos de una composición, son las ilustraciones de los ciclos del agua.

En estas ilustraciones, nuestros ojos se mantienen en movimiento, circulando por cada uno de los puntos de la imagen y de ese modo, obtenemos una idea completa sobre su significado. 

Aunque podemos encontrar composiciones con movimientos lineales, la forma circular u ovalada es la forma más común de organizar los elementos. 

Por ejemplo, vemos el famoso cuadro de la danza de Matisse, donde las figuras están organizadas en una forma circular y nos mantienen dentro de la imagen.

La danza – Matisse

Además, las líneas curvas que forman las piernas, crean un entramado de arabescos que nos mantienen circulando por toda la imagen

El uso de opuestos

Otra principio que ayuda a crear movimiento en nuestras obras, consiste en utilizar fuerzas opuestas. 

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Vista de Toledo – El Greco

Como vemos en esta imagen, hay dos fuerzas opuestas. En la parte derecha tenemos varios elementos moviendo nuestra mirada hacia arriba. Empieza desde el árbol de abajo que está totalmente alineado con la torre. Una vez que llegamos a dicha torre, vemos un punto luminoso justo por encima de ella y una forma de flecha.

Por otro lado, tenemos en la izquierda varias líneas convergiendo hacia abajo, creando otra flecha que nos hace descender.

Como detalle, podemos detectar un arabesco muy marcado en esta imagen. Las nubes nos mueven a la izquierda y hacia abajo. Luego llegamos a las montañas que nos mueven hacia la derecha. Al llegar al árbol de la derecha, volvemos a ser lanzados hacia arriba.

Relación entre fondo y figura

Es muy importante separar los elementos frontales y el fondo, de lo contrario podemos confundir al espectador.

Cuando un elemento y el fondo, tienen tonos parecidos o tienen la misma importancia, se arruinará la composición.

Se pueden crear efectos ópticos interesantes o graciosos al romper este principio, pero si no lo haces a propósito y estás buscando simplemente una buena composición, deberás asegurarte que tus elementos principales estén bien separados del fondo.

Esta imagen es el mejor ejemplo de este problema. ¿cuál es el elemento principal? ¿las caras negras o el jarrón blanco?. No se sabe, porque ambos elementos tienen la misma importancia.

Lo más importante de este principio, consiste en crear una jerarquía en la que uno de los elementos tenga más relevancia que el resto. Los elementos del fondo deben estar menos detallados y tener menos contraste que los elementos principales.

Una forma de comprobar la relación figura-fondo de tu composición, es trazando una línea imaginaria en todo el contorno de tus elementos. Si en algún punto, esa línea es rota o tocada por otro elemento, deberás asegurarte de que haya una clara diferencia entre los valores de ambos y que haya una clara separación entre ellos.

Para conseguir una buena relación entre el fondo y la figura, puedes usar el contraste simultáneo. Si la figura es luminosa, puedes situarla en un fondo oscuro, y viceversa.  Aunque no tienes por qué usar un contraste extremo.

Un buen ejemplo de contraste simultáneo es la siguiente obra de Seurat.

Los bañistas – George Seurat

Si te fijas en esta pintura, descubrirás un truco para separar los elementos, del fondo. Alrededor de las zonas luminosas de las figuras, Seurat pinta una zona más oscura. Alrededor de las zonas de sombras, hace lo contrario y pinta zonas más claras. De esta forma se genera un contraste que las separa del fondo.

Este concepto está explicado con un poco más de detalle en el artículo Luz y Sombra En el Dibujo y Pintura.

Otras dos formas de conseguir una buena distinción entre figura y fondo, son el punto focal y la perspectiva atmosférica.

El punto focal consiste en desenfocar los elementos secundarios y dejar enfocado los elementos principales. Es una técnica mayormente fotográfica y cinematográfica, pero que también podemos usar en pintura.

En cuanto a la perspectiva atmosférica, se trata de simular el efecto de la atmósfera en nuestras composiciones, para crear una sensación de profundidad y separar los elementos del fondo. Si quieres saber más sobre este concepto, puedes ver este enlace cómo crear perspectiva atmosférica o perspectiva aérea.

2 Comments on “Principios de la composición Visual o Artística”

  1. Enhorabuena!
    Tu artículo me ha facilitado la comprensión de tantos elementos que intervienen en la composición. O al menos un acercamiento a ellos.
    Muchas gracias por compartir.
    Un saludo

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